2026年7月26日，云南艺术基金2025-2026年度艺术人才培训资助项目“云南音乐创作骨干人才培训”在昆明城市学院海源校区慧源楼104音乐厅开展专题讲座。中央戏剧学院舞台美术系演艺影像与声音设计专业王雍棋老师，以《听见剧情：声音的叙事力量》为题，围绕音乐剧声音叙事的内在逻辑，精选海内外经典舞台案例，深度拆解声音创作技法，实现了理论解析、案例研讨与本土创作方向的多维互动。
授课专家：王雍棋
王雍棋，中央戏剧学院舞台美术系演艺影像与声音设计专业讲师。2013年考入中国音乐学院作曲系本科，师从谢文辉教授；2018年考入中国音乐学院作曲系攻读硕士研究生，师从施万春教授；2026年考入中国音乐学院作曲系，攻读作曲与作曲技术理论专业博士学位，师从王丹红教授。2021年起任教于中央戏剧学院舞台美术系，担任演艺影像与声音设计专业讲师。创作涉及音乐剧、舞台剧、话剧等多个领域。
代表作品：大型原创主题故事剧《听故事，见江西》（作曲、编曲）；话剧《雀愿》（作曲、编曲、音乐编辑与制作）；话剧《你的名字》（作曲、编曲、音乐编辑与制作）；国际大学生戏剧展演作品《梁祝》（作曲、编曲、音乐编辑与制作，获北京高校原创文化精品A类）；话剧《戏剧春秋》（作曲、编曲、音乐编辑与制作）等。王雍棋长期深耕舞台戏剧音乐创作，贯通作曲理论与舞台声音叙事设计，长期扎根音乐剧、话剧音乐创编一线，形成融合学院派作曲技法与现代舞台听觉叙事的独有创作体系。
本次讲座以音乐剧声音叙事为核心主线，系统阐释声音作为独立叙事语言在舞台作品中的四大核心功能，结合《歌剧魅影》《猫》《汉密尔顿》《千与千寻》《永不消失的电波》等经典舞台、影视音乐剧案例，逐层拆解声音塑造人物、外化内心、穿梭时空、营造沉浸式在场感的创作手法。
声音如何定义人物
在人物塑造层面，王雍棋老师指出，声音不仅是角色的听觉外衣，更是其内在灵魂的直接投射。王老师以经典音乐剧《歌剧魅影》为例，讲解了剧中管风琴的运用，其浑厚而富有空间感的音色从四面八方弥散开来，既营造出教堂般的神圣感，又暗藏令人窒息的压迫氛围，精准地勾勒出魅影“天使与魔鬼”并存的双重人格。
音乐剧《猫》则通过为每一只猫赋予独特的音乐风格来为其“立传”，摇滚猫以电声乐彰显狂放不羁，魔术猫以变幻的旋律体现神秘气质，魅力猫格里泽贝拉则以一首传世经典《Memory》承载沧桑与哀愁，流行、爵士、摇滚、古典宣叙调乃至Rap说唱等多种风格在同一舞台上交织共生，使每只猫的形象深入人心。而在音乐剧《汉密尔顿》中，声音标签直接绑定人物气质，成为最直接的“听觉名片”，汉密尔顿以密集、快速、永不停歇的说唱标签对应其速度与野心，伯尔以舒缓、克制的旋律对应其等待与克制，英王乔治以轻佻傲慢的英式流行曲风构成政治讽刺。四种音乐风格在同一部剧中交织，不同人物的命运在音乐的对位中形成鲜明对比。
声音如何外化内心
声音对人物内心的揭示，是本次培训着力剖析的另一核心议题。王雍棋老师谈到，演唱时的音区选择、气息状态和旋律走向，往往是角色心理活动的“晴雨表”。在《歌剧魅影》中，女主角Christine的声音从最初的紧张颤抖到后来的坚定舒展，其释放过程本身就是一条完整的心理弧线。令人印象尤为深刻的是《西区故事》中《Cool》一曲的处理，创作者反其道而行之，用巴洛克时期最严谨、最“理性”的音乐形式赋格来外化角色内心即将爆发的焦躁与不理性，以极致的控制衬托极致的失控，产生强烈的戏剧张力。
在歌剧《歌剧魅影》中，女主角克里斯汀的声音变化精准外化人物内心。在第一个阶段崇拜期，声音集中在高音区，音色纯净、空灵、飘渺，那是被魅影“神圣化”的声音证据；在第二个阶段恐惧期，旋律突然下沉至中低音区，音色暗哑、压抑，音区的骤降就是内心从“仰望”到“恐惧”的瞬间转换。这种通过音区变化揭示人物心理的手法，让观众在静默中感受到角色身处复杂情感临界点时的紧张与觉醒。
声音如何穿梭时空
当声音成为穿越时空的媒介，舞台便在听觉维度上获得了前所未有的自由度。王雍棋老师指出，声音设计通过年代坐标、地理坐标和心理坐标三个维度，为观众构筑起可感知的历史空间。舞台剧版《千与千寻》提供了一个绝佳的范例，声音设计团队以电子音效与现场打击乐的结合，营造出并非物理真实、却在心理层面高度可信的“汤屋”世界，观众无需亲眼看到油屋的全貌，仅凭听觉便能沉浸于那个光怪陆离的奇幻空间。
而《永不消逝的电波》在时空穿梭上的声音处理更为大胆，电波声的沙沙干扰、摩斯电码的清脆敲击、上世纪老歌的悠扬旋律与真实历史人物的录音在同一场域中层层叠加、相互碰撞，不同时空的声音在同一瞬间交汇，实现了“声”临其境的时空折叠效果。
声音如何营造在场感
在场感是戏剧艺术的终极追求之一。王雍棋老师揭示了声音在营造“此时此地”体验中的独特优势。以《永不消逝的电波》开篇为例，淅淅沥沥的雨声远不止于环境描摹，它的节奏型被精心设计成摩斯密码，雨滴的每一记敲落都成为叙事符号，在观众尚未来得及做出理性判断之前，便已将被瞬间拉入1940年代上海的谍战氛围之中。“渔光曲”这一经典音乐的运用，其环境声先于旋律进入15-20秒，将观众的身体先“运送”到1948年，“黎明见曙光”的温暖弦乐改编让它成为全剧唯一一段“无需警惕”的听觉喘息空间，在心理层面锚定了故事发生的时空坐标，让观众理解英雄为之战斗的正是这样的日常。
而音乐剧《千与千寻》中现场乐队的充分在场，乐器与演员的呼吸同频共振，现场乐队与演员呼吸同步，速度、力度、情绪可以实时进行调整，当观众知道音乐是“正在被演奏”的，他们就不再是被动接收声音的“听众”，而是与演员、乐手共享同一个时空的“在场者”，构成了一种无可替代的在场体验。
云南民族音乐创作方向研讨
在讲座的最后环节，王雍棋老师带领全体学员围绕音乐剧创作的前沿方向以及少数民族音乐剧的创作路径展开了深入探讨。参训学员一致认为，如何在浩如烟海的各民族音乐遗产中精准定位最具代表性的音乐元素，并将其有机融入音乐剧的当代语汇之中，是当前创作者面临的核心课题。
王老师认为民族音乐元素与当代舞台艺术的融合，既要紧扣民族性、坚守主体性，也要坚持开放性与时代性，从楚雄彝族的弹拨韵律到版纳傣族的细腻音调，这些传统音乐的瑰宝完全可以在现代音乐剧的框架下焕发新生。
与此同时，如何将《歌剧魅影》《汉密尔顿》等经典音乐剧的创作思路与叙事技法，应用于中国本土化、民族化的音乐剧创作中，也成为学员们热切期待进一步探讨的方向。
近年来，我国原创音乐剧发展势头迅猛，《大壮王》、《赵氏孤儿》等作品在民族性与国际性结合上作出了有益探索，为后续创作提供了可资借鉴的范本。
课程结束后，“云南音乐创作骨干人才培训”项目负责人、昆明城市学院副教授马辉为王雍棋老师颁发本次培训项目授课专家聘书，聘任王雍棋老师任核心授课导师。
本次讲座既有经典案例的深度剖析，又有创作方法论的系统梳理，更有面向本土化实践的思辨探讨。参训学员纷纷表示，课程极大地拓宽了对“声音叙事”的理解边界，未来将在创作实践中更加自觉地运用声音这一强大的叙事工具，讲好云南故事，奏响民族之音。
学员代表：文山学院青年教师 李薇
李薇，文山学院教师教育学院青年教师，云南省音乐教育协会会员，文山州音乐家协会会员，毕业于云南艺术学院，长期专注云南民族民间音乐、作曲与作曲技术理论的相关研究，主持校级本科教学改革与教学研究项目结项1项，作为主要成员参研多项云南省教育厅科学研究基金项目，省级期刊发表论文多篇，写有管弦乐《雀舞》、弦乐五重奏《幽然》、打击乐《竜鸣春和》、合唱《坡芽图语》、钢琴独奏《苓南》等作品。
【学习心得体会】
王雍棋老师《听见剧情：声音的叙事力量》专题讲座给我带来了舞台声音叙事创作的新思路与新方法。以往的诸多创作困惑得到解答，启发深远。讲座以音乐剧《猫》为切入点，传递出平凡生命皆有价值、众生皆值得包容接纳的人文内核。剧目为不同角色匹配专属音乐风格，用差异化听觉语言塑造鲜活群像，清晰印证音乐并非舞台附属伴奏，而是承载人物情绪、传递人文温度的核心叙事媒介。讲座提出“声音即命运”的核心论断，人物隐秘、难以直白表达的内心思绪，均可借助音色、音区、织体、环境音效转化为可感知的听觉内容，完成内在情绪的外化表达。成熟的声音设计能够独立构建故事空间，依靠声景切换完成场景分割，更可突破线性时间束缚，实现声音跨时空叙事的独特艺术效果。
声音可以塑造人物，外化内心。如课堂解析的案例《猫》选用爵士、摇滚、古典歌剧等截然不同的音乐风格对应每一只猫咪，用曲风差异直接区分角色性格、身世与境遇，让观众仅凭听觉就能分辨不同生命个体，温柔诠释平凡生命各有光彩的内核；《西区故事》则设计两组对立的核心音乐动机，分别代表两大青年族群，旋律、节奏、配器始终形成强烈听觉冲突，无需过多台词铺垫，仅靠声音的对抗感，就能直观外化族群隔阂、人物爱恨交织的复杂内心，把矛盾冲突完全依托音乐语言落地呈现。两部作品都彻底跳出配乐辅助表演的传统思维，让声音成为推动叙事、塑造人物的核心主线。
课程讲解的声音穿梭时空创作技法，为少数民族音乐剧本土化创作开辟全新方向。云南各民族母语、民俗原生声响自带独特时空印记，通过多层音效叠加、主题动机变形重构，能够实现古今族群记忆同台交融对话。
今后，我将深入村寨开展田野采风，深挖壮、苗、瑶等少数民族特色润腔与原生声景，摒弃浅层、标签化的民族元素拼接，将课堂所学的人物音色塑造、情绪外化、声景时空构建技法融入合唱、器乐创作，立足本土民族文化根基，打磨兼具人文温度、地域辨识度与现代舞台质感的民族音乐作品。